En mi tierra de John Boorman es una cinta política y de denuncia que ocurre en el año 1996 durante las audiencias de la Comisión de Verdad y Reconciliación, convocadas por el gobierno sudafricano para investigar los atropellos a los derechos humanos cometidos por el Apartheid. En ese contexto es donde el reportero norteamericano Langston Whitfield (Samuel L. Jackson) y la escritora sudafricana Anna Malan (Juliette Binoche) se conocen y empiezan una relación. En el transcurso de las audiencias tanto Langston cuanto Anna comparten no sólo el trabajo diario de cubrirlas, sino que llegan de a pocos a compenetrarse más allá del terreno profesional.

En el inicio la película pareciera indicar que sólo va a tratar sobre las audiencias y las personas que en ellas hacen sus denuncias, no obstante, al avanzar la historia se empieza a conocer la relación que se va formando entre Anna y Langston. Por ello uno de los aciertos de En mi tierra está en la presentación de esa relación que no es mostrada de modo dulcificado, pues lo que ambos buscan es un refugio para olvidar la desgracia de la que han sido testigos. Otro acierto es que la película no incurre en el panfleto denunciante ni en el melodrama ramplón que un tema como el abordado puede provocar.

Un amor diferente (Saving faces)

La comedia romántica Un amor diferente narra las vicisitudes amorosas de una madre e hija de origen chino residentes en Nueva York. Ambas atraviesan por situaciones sentimentales distintas pero a la vez problemáticas para el entorno al que pertenecen. La hija llamada Wil (Michelle Krusiec) mantiene una relación sentimental con una chica de nombre Vivian Shing (Lynn Chen). Mientras que Hwei-Lan Gao (Joan Chen), madre de Wil, ha quedado embarazada de una persona de quien no quiere revelar la identidad, porque esto causará problemas y habladurías al interior de la estricta comunidad china.

La particularidad de esta comedia romántica es el tratamiento que hace de su historia la directora Alice Wu. Wu dota de un tono medio, casi asordinado a las situaciones de la historia, consiguiendo así que en varios momentos prime la contención incluso en importantes escenas dramáticas y cómicas.

EL ARO 0

El aro 0 de Norio Tsuruta, precuela de las películas El aro 1 y 2 de Hideo Nakata, tiene algunos buenos momentos en la primera mitad de su proyección, cuando crea la atmósfera sugerente de que algo ocurre pero que no se sabe qué es. Para la consecución de dicha atmósfera Tsuruta coloca la cámara en los lugares adecuados, logrando así que el espectador tenga una sensación de extrañeza y de que existe alguna presencia observante. Esa sensación se refuerza con la aplicación de suaves movimientos de cámara y con el uso de planos abiertos y cercanos. Sin embargo, al llegar a la segunda mitad la película se torna explícita, recurriendo a efectismos y trucos visuales, que hacen perder el interés obtenido durante la primera mitad.

CICLO YASUJIRO OZU

JUNIO-JULIO 2006 - todos los jueves 7:00 pm
Centro Cultural UPCH
Av Armendariz 445 Miraflores - LIMA
INGRESO LIBRE

El Perro

El Perro continúa el estilo de la cinta anterior de Sorín -Historias Mínimas – ya que cuenta historias de personajes sencillos, cotidianos, solitarios interiormente y cuyas vidas no atraviesan por grandes sobresaltos sino que transcurren por senderos sosegados. De otro lado, su estilo en la puesta en escena se equilibra con la historia que narra; es decir, hace sólo los movimientos de cámara necesarios, precisos - planos generales, primeros planos, travellings sencillos- para lo que pretende mostrar.

En El Perro la historia se resume básicamente en la relación que se da entre el personaje Juan “Coco” Villegas y el perro llamado Le chien o Bombón. Sorín vuelve a rodar una película en la Patagonia, por lo que hay que decir que uno de los aspectos más interesantes es el hecho de que filma los grandes espacios patagónicos de un modo natural ya que no pretende mostrar detenida ni impostadamente la extraña belleza de esas grandes extensiones territoriales sino busca – y lo consigue- que se sienta al igual que los personajes esa presencia geográfica que los rodea y supera.

La cinta combina de modo logrado algunos sub-géneros cinematográficos durante el recorrido que van haciendo Juan Villegas, Le Chien y en algún momento el personaje Walter Donado, pues la historia en buena parte se plantea como una road-movie que va integrando a su estructura otro sub-género como la Buddy-movie (a causa de la relación cada vez más cercana de Villegas y Le chien). Uno de los aciertos de la obra es también el manejo de un humor medido que evita desbordarse, un humor a veces irónico que no sólo resuelve bien el personaje principal sino otros.

Se ha dicho que El Perro pudo haber formado parte de una de las Historias mínimas; eso es cierto en parte pero esta vez existe una mayor depuración en ese estilo minimalista de narración ; no obstante, la historia pierde por momentos fluidez a causa de la duración del metraje; amén de algunas escenas que pudieron obviarse. Otro aspecto no bien resuelto es el uso de la música en algunas escenas ya que resalta y explicita lo que las imágenes muestran.

Por último, a pesar de algunos reparos consideramos a El Perro una buena película que vuelve a mostrar a Sorín como un director talentoso e interesante y con buen oficio al momento de contar historias y que no busca dar discursos de ningún tipo.

César Guerra Linares

El Perro
(Argentina, 2004)
Dirección: Carlos Sorín.
Guión: Santiago Calori, salvador Rosselli y Carlos Sorín
Fotografía: Hugo Collage.
Interpretes: Juan Villegas, Walter Donado, Rosa Valsecchi, Mariella Díaz.
Duración: 97 min.

SOY CUBA

Para un cinéfilo ávido de conocer nuevas películas y nuevos directores, la oportunidad de ver una película (oculta por 30 años) como Soy Cuba del director Mijail Kalatozov resulta una experiencia reveladora pues permite descubrir una obra experimental, curiosa y fascinante en más de un sentido.

Soy Cuba es visualmente deslumbrante por lo acrobático y coreográfico de sus movimientos de cámara (tomas en grúa en varias escenas); además, en ella se trabajan con maestría principalmente dos componentes del encuadre como los ángulos de toma y los movimientos de cámara ; en el caso de los primeros se observan: ángulos picados, contrapicados, picados perfectos, entre otros. Respecto a los segundos: panorámicas, travellings hacia delante, hacia atrás, travellings laterales, verticales, circulares, panotravellings, planos-secuencia etc. Dos ejemplos de lo expuesto son dos secuencias fundamentales en la película: la primera al inicio cuando la cámara se desplaza por todo el hotel de manera virtuosa. Y la otra, la más notable en toda la obra, el seguimiento que hace la cámara -mediante un plano-secuencia- de la gente que lleva el ataúd del estudiante asesinado por las fuerzas represivas del dictador Batista. Además, no puede obviarse la mención de la toma aérea con que se inicia la película que hace recordar a la toma aérea inicial de Tierra en trance del brasileño Glauber Rocha.

De otro lado, el trabajo que se hace sobre el campo visual es singular por el uso de grandes angulares que dilatan y distorsionan las imágenes creando en el espectador una sensación de extrañeza e incertidumbre. Soy Cuba tiene la capacidad de crear momentos alucinatorios al combinar lo visual con lo acústico.

Pero la película de Kalatozov es ante todo una epopeya fílmica que busca celebrar el triunfo de la revolución cubana y para conseguirlo recurre al realismo socialista llevándolo a extremos de delirio.

Lo kitsch y extravagante que es Soy Cuba en varios pasajes encuentra su contrapeso en la intensidad de las imágenes de la osada propuesta kalatozoviana. La presencia de lo kitsch en Soy Cuba es - en general- más que un defecto, un valor estético ya que dota a la obra de una atmósfera peculiar.

Finalmente, al terminar de ver una película como Soy Cuba, se siente la necesidad de querer seguir experimentando sensaciones cinematográficas tan únicas.

DIAS DE PASIÓN (HEAD IN THE CLOUDS)

El director inglés Jhon Duigan (1949) dio inicio a su carrera cinematográfica a mediados de los `70 .Estas son algunas de sus películas: En 1975 dirigió The firm man ; en el `76 haría la cinta The Trespassers; luego, en el `78 Mouth to mouth .En 1981 realizó Winter of our dreams; en el año 1987 The year my voice broke. En 1989 dirigió la película biográfica Romero. En la década de los `90 dirigió Flirting (1991). Luego en 1994 Sirenas (Sirens).En 1995 realizó El viaje del rey Augusto (The Journey of August King).Un año después The leading man. En 1999 Molly, El año 2000 fue director de Paranoid.En el 2001 The Parole officer. Por último, en el 2004 dirigió Días de pasión ( Head in the clouds) que es la película que nos ocupa.

Días de pasión se ambienta en Europa a principios de la década del `30 - en pleno período de entre-guerras-.La película pareciera desde sus primeras imágenes encaminarnos hacia un drama bélico en el que los personajes padecerán las vicisitudes y riesgos que un momento así supone. Sin embargo, pronto el espectador observa que la película prefiere adentrarse en un drama de tono romántico-pasional .La historia tiene tres personajes importantes: Gilda Bessé (Charlize Theron), Mia (Penélope Cruz) y Guy (Stuart Townsend). De estos tres personajes el central es Gilda Bessé ya que aparece al inicio de la cinta desde cuando era una niña en el momento en que va acompañada por unas amigas para que una mujer les adivine el futuro mediante la lectura de las manos. Este hecho será importante en el desarrollo de la película debido a que se hará referencia a él de forma indirecta dentro de la historia.

Mientras la historia avanza vemos a los tres personajes relacionarse primero de manera amical pero luego de forma cada vez más cercana y física como la relación que se establece entre Gilda y Guy y la que se da entre Mia y Gilda formándose así una curiosa relación triangular; no obstante, la curiosidad de esta relación se agota luego de unos momentos pues no logra mantener el interés ni se resuelve de la mejor manera en lo que dura la película.

De otro lado, uno de los puntos débiles de Días de pasión es el personaje Mia a causa de no estar bien delineado ni estructurado dentro del guión. Este personaje se encuentra desencajado y no se articula bien en la historia debido tanto a los parlamentos que tiene que decir cuanto a los diálogos en los que interviene así como en las acciones en las que participa. Lo mismo ocurre -en menor medida- en algunos momentos con el personaje de Stuart Townend. Tal vez el que esté mejor articulado sea el de Charlize Theron sin llegar a ser del todo logrado. A pesar de las debilidades encontradas en la película durante sus dos primeras partes, mantenía hasta cierto punto algún interés por unas cuantas escenas sueltas; sin embargo, en la media hora final la película pierde el control y se convierte en una película totalmente convencional y previsible.

Lo que queda decir sobre Días de pasión es que pudo haber sido una película interesante si hubiera contado primero con un guión mejor diseñado y con una puesta en escena un poco más arriesgada.

WALLACE Y GROMIT (La batalla de los vegetales)

La historia de Wallace y Gromit contiene referencias a películas de terror de los años ’50 como El Hombre lobo pero hay también homenajes explícitos a un clásico del cine como la versión de King Kong de 1933. Estas referencias, entre otras, son tratadas por Nick Park de modo creativo pues consigue crear un ambiente extraño a la vez que gracioso.

No obstante, lo más interesante de la cinta son sus protagonistas: Wallace y Gromit; ambos tienen maneras de ser diferentes pero al mismo tiempo complementarias ya que si Wallace es creativo y excéntrico, Gromit es reposado y práctico. Además, Gromit tiene la peculiaridad de ser un personaje silente y que sólo se expresa mediante gestos. y movimientos. Estas características lo acercan a los personajes interpretados por Jacques Tati, que con miradas y gestos lo decían todo.

En suma, Wallace y Gromit no es sólo disfrutable por su historia, sino también por quienes forman parte de ella.

ELEPHANT: VIOLENCIA INESPERADA

Gus van Sant es un director estadounidense que se mueve tanto en el mainstream cinemato-gráfico léase – Hollywood - cuanto en el cine independiente de su país, haciendo películas al margen de los grandes estudios. En lo que respecta al cine hecho para Hollywood ha dirigido cintas como Good will hunting (1997), Psicosis (1998) - remake fallido de la gran película de Hitchcock -, Descubriendo a Forrester (2000). Con estos ultimos antecedentes parecia que Van Sant seguiría dirigiendo cintas sobre temas que la industria ve con buenos ojos; pero el año 2002 dirigiría una película interesante y por momentos extraña respecto de lo que había venido haciendo ultimamente; hablamos de Gerry. Gus van Sant empezo su carrera dirigiendo películas marginales a Hollywood : MALA NOCHE (1985) - su primer largometraje – y luego dos películas consideradas, hoy, importantes por la crítica : Drugstore Cowboy (1989) y Mi Idaho privado (1991). Su más reciente película es ELEPHANT (2003) que obtuvo ese mismo año la Palma de oro en el Festival de Cannes a mejor película y Van Sant el premio a mejor director.

ELEPHANT es una película con una propuesta distinta que sorprende e inquieta. Desde los primeros instantes nos damos cuenta de que estamos ante una cinta que muestra un tratamiento alejado del ordinario; ya que la primera imagen que observamos es la de un cielo con nubes en una hora determinada del día; y el transcurrir del tiempo de día a noche sumado a voces, gritos y risas de personas que no vemos. La imagen siguiente es de un cambio total de ritmo que nos coloca en otra atmósfera pues vemos un auto que avanza zigzagueante por una calle; aparentemente estas dos escenas parecieran no tener conexión pero en el transcurso de la cinta nos daremos cuenta de que sí existe. Los personajes de la película son interpretados por actores no profesionales - a excepción de dos de ellos- pero no por ello sus participaciones son desacertadas o disfuncionales; Van Sant los dirige de manera sobria y austera como son en realidad los roles que estos interpretan en la historia; es decir, intervenciones breves y ajustadas al momento en que les toque aparecer. Hay cincos personajes que gravitan en la historia: John (John Robinson), Elias (Elias Mc conell), Michelle (kristen Hicks), Eric (Eric Deulen) y Alex (Alex Frost). De los tres primeros podríamos decir utilizando un término de A. J. Greimas -especialista en Semiótica- que son actantes debido a que son personajes que cumplen acciones dentro de un relato y que casi no tienen diálogos. En cambio, a Eric y Alex sí podemos llamarlos personajes. Estos cinco ( actantes y personajes ) son parte fundamental para el desarrollo de la historia porque sus apariciones son las que le darán ritmo y discurrir a la cinta. Podríamos decir que la construcción y desarrollo de la trama en ELEPHANT es del tipo: ENGRANAJE. Pues todos los elementos que lo conforman cumplen una función determinada y precisa; lo cual se observa de manera clara en el caso de los actantes y personajes que vienen a ser como piezas dentro de un mecanismo. Todo ello se logra de manera notable en casi toda la película.

Los hechos narrados en esta cinta se basan en acontecimientos reales ocurridos en una escuela de alguna ciudad norteamericana; siendo de esta manera los personajes, estudiantes de esa escuela; no podemos decir que el director haya querido hacer una reconstrucción documental ni histórica de los hechos; sin embargo, la cámara filma las imágenes de varias secuencias con estilo documental, dándonos la sensación de estar frente a hechos reales ocurridos en esos instantes; la cámara se sitúa y filma a los personajes de manera neutral como si esta estuviera escondida en algún lugar y registrara lo que pasa en la vida pública y privada de éstos.


Como decíamos el manejo de la cámara es fundamental en la película ya que sigue a los personajes y actantes en muchas escenas con planos – secuencia que duran en algunos casos un tiempo importante. La presencia de Travellings, como el uso de algunos travellings circulares que no se dan de forma impostada ni artificiosa sino que refuerzan lo narrado; incluso uno de ellos se da en una escena importante en la que están Alex y Eric conversando en la habitación del primero. Ese travelling nos podría dar una de las claves del porqué el título ELEPHANT y que los espectadores podrán interpretar al final o en plena proyección de la película. Finalmente hay escenas en las que la cámara enfoca a los personajes principales y desenfoca a los que no lo son.







ELEPHANT es una película que se toma su tiempo en varias escenas, utilización de TIEMPOS MUERTOS, para lograr con ello recrear de manera real los instantes previos de lo que ocurrirá en los 15 ó 20 minutos finales. Gus Van Sant nos quiere mostrar a sus personajes en actividades cotidianas aparentemente sin interés; tanto en la escuela como en sus vidas privadas; pero esta vidas cotidianas lo son sólo en apariencia, pues detrás de las vidas ordinarias de los dos personajes ( Alex y Eric ) princi-pales se oculta una violencia que puede sorprender de manera inesperada. También se utiliza tiempos desde distintos puntos de vista que convergen en una situación determinada; esto no es nuevo en el cine ya que otros directores entre ellos Tarantino lo ha hecho en más de una oportunidad; lo nuevo está en el tratamiento del ritmo de esos tiempos. Van Sant en todas las escenas prescinde de música de fondo o incidental y sólo usa sonido ambiental y música interpretada en alguna ecena.
La película no toma partido por ningún personaje ,al contrario, les da la libertad de actuar dentro de la historia ; no da mensajes políticos y menos de tipo moral , sólo muestra hechos que acumulándose desembocarán en una situación límite. Otro aspecto muy logrado de la película es el manejo de la tensión en pasajes determinados ; esta tensión se dosifica e irá incrementando poco a poco.
Por último si hay algo que criticar de la película serían dos aspectos: Primero, que las escenas de violencia se alargan demasiado y por momentos llegan a ser reiterativas. Y segundo, el caso de uno de los personajes, que hemos llamado anteriormente actantes, que sólo aparece una vez y que no nos explicamos su inclusión en el engranaje del que hablábamos párrafos atrás. Sin embargo, estos aspectos en contra no desmerecen el gran valor que tiene esta notable película de Gus Van Sant, ya que no sólo es un magistral ejercicio de estilo sino que contiene profundidad y fuerza expresivas.

COCAMAMA

Cocamama es la última película de la directora Marianne Eyde, directora de origen noruego pero radicada en el Perú desde hace más de treinta años, Eyde ha dirigido anteriormente LOS RONDEROS DE CHOTA (1987), LA VIDA ES UNA SOLA (1992), película que en su momento tuvo buen comentario de la crítica y LA CARNADA (1999) que es su penúltima película. Cocamama, madre coca o señora coca en castellano, en un inicio se nos plantea como una película que busca acercarnos de manera objetiva a la gente que vive del sembrío y recolección de la coca, pues en el inicio vemos a unos campesinos que hablan ante la cámara que los filma de manera casi documental donde éstos cuentan los problemas que tienen por dedicarse a esa siembra; tema de actualidad desde hace algunos meses. Esto nos da la sensación de que vamos a enfrentarnos a una cinta que va a retratar de una manera profunda la forma de vida de los campesinos de esa zona de la selva alta de Apurimac; tanto en sus vivencias cuanto en sus relaciones con esta planta considerada sagrada por las culturas prehispánicas de los andes. Sin embargo, se centrará en la vida de tres personajes: El gato (pequeño narcotraficante interpretado por Miguel Medina, Antonio o El loco (escritor) interpretado por Oscar Carrillo, Paulina (vendedora de ropa), interpretada por Milagros Del Carpio.
Éstos tres personajes son externos a esa realidad en el sentido de que no son nacidos en el lugar pero que sí viven allí desde hace un buen tiempo como es el caso de El gato y Antonio. El caso de Paulina es diferente porque ella llega recién a esa zona proveniente de Lima debido a la situación difícil que vive allá. Marianne Eyde retoma los temas sociales después de haber filmado LA CARNADA película que mostraba la vida de unos personajes en una caleta de pescadores en el norte del país. Eyde parece preferir la dirección de películas de corte político-social como lo fueron sus dos primeras películas y como lo es ésta última también.Lo dicho anteriormente me permitirá hablar de los pocos aspectos rescatables de la película; los cuales son aquellos momentos en que la cinta nos muestra la cotidianidad de los campesinos ya que éstos aparecen ante la cámara tal como ellos son, nos muestra los momentos en que ellos trabajan la tierra y recolectan las hojas de coca , o las conversaciones y diálogos que tienen las mujeres de la comunidad con Paulina que se muestran con cierta naturalidad; otro aspecto que está bien es que las veces en que hablan o dialogan los habitantes de la comunidad lo hacen con parlamentos medidos digo ésto por que al no ser actores profesionales se evitan de esa manera las sobreactua - ciones. Eyde debe ser una de las pocas directoras en el medio que mejor trabaja con las comunidades del interior del país. Por último la fotografía de la película sin llegar a ser notable está bien; esto no es extraño pues ésta bajo la dirección de Gianfranco Anichini quien es uno de los mejores directores de fotografía del Perú; por lo mismo no se ve de manera obvia el intento de mostrar una fotografía de postal (turística).
A pesar de lo dicho, la película no logra cuajar como conjunto porque las historias de los tres personajes, que vienen a ser el centro de la película, no logran conjugar con esa mirada casi antropológica que por momentos pareciera querer darnos la directora si no de manera buscada sí percibida por el espectador a pesar que en alguna entrevista Eyde haya dicho que su objetivo no era plantearlo así. Las historias de los personajes se nos muestran superficiales sobre todo los casos de El gato y el de Paulina , respecto a Antonio (Escritor) la suya podría sernos la más interesante si no fuera por que en el transcurrir del filme ésta va perdiendo fuerza a causa de algunos diálogos y frases que éste dice, éstos son cándidos incluso risibles; en cuanto al personaje El Gato es el que se perfila como más esquemático puesto que es el típico personaje fuera de la ley que se ha visto en otras películas peruanas promedio; esto no quiere decir que la actuación sea mala, pero no muestra matices; por último, el personaje de Paulina pareciera ser ,en un inicio, el que tendría más sustancia; sin embargo, se va diluyendo a medida que la cinta avanza ,a excepción, de dos o tres momentos en que se torna interesante pero no logra llegar más allá. La actuación de Milagros Del Carpio es sólo regular; a diferencia de su actuación en LA VIDA ES UNA SOLA que sí tenía más hondura y presencia; finalmente, hay otro problema que se suscita en la película, y es cuando ocurren dos bruscos cortes y cambios de escena; no podría decir si es un error en la edición o en la dirección general, pero es un aspecto que no queda bien en el conjunto del filme.Lo expuesto hasta aquí hace que la película no logre cumplir lo que nos plantaba al inicio y en algunas secuencias posteriores; si bien la cinta no lo expresa directamente; deja entender que la coca es una planta que es milenaria y sagrada, que usada de buena manera puede ser útil para varios fines y no debe ser vista como sinónimo de pasta básica o narcotráfico.

El balance hace que consideremos a COCAMAMA una cinta bastante floja e irregular. Marianne Eyde a pesar de ello ha mostrado una leve mejoría respecto a lo hecho en LA CARNADA; sin embargo, no alcanza lo conseguido con LA VIDA ES UNA SOLA que sigue siendo su mejor cinta..

Cesar Guerra LinaresRedactor

LA MALA EDUCACIÓN

Esta última película de Almodóvar (Drama, Melodrama, Thriller o como nos decía un crítico, en algunos pasajes, es un Film-Noir Gay), es la que dentro de su carrera posee un carácter más íntimo, incluso con rasgos autobiográficos; si bien el director no pretende contar parte de la historia de su vida de manera directa, podemos darnos cuenta de algunas situaciones o momentos que éste pudo haber vivido en su infancia y juventud . La mala educación es un cinta que busca, entre otras cosas, hablar de un modo crítico, mediante la evocación , de la represiva educación en los colegios e internados regidos por la Iglesia Católica; y tocar el tema del Oscurantismo que se vivía bajo otro régimen también represivo como fue el de la Dictadura Franquista en la década del ´60; para luego pasar a mostrarnos los finales de la década del ´70 y los inicios de los ´80 donde los protagonistas ya adultos pueden vivir y exteriorizar de manera más libre sus deseos y sentimientos.


El director español vuelve en esta oportunidad como hizo en Hable con ella a poner personajes masculinos como protagonistas de su historia, incluso de modo más claro en esta última película; pero una diferencia importante por sobre otras es que los personajes masculinos de aquella cinta eran seres llevados por sus maneras de amar o desear, sean estas equivocadas o no. Aquellos eran personajes más íntimos y reservados. En cambio, los de La mala educación si bien pueden llegar a amar son personajes que reflejan conflictos y pasados llenos de recuerdos nada agradables; son seres cuyos deseos buscan prevalecer al igual que las formas que tienen de llegar a satisfacerlos o aplacarlos. Desde el punto de vista de la estructura de la cinta señalaremos que existe una historia dentro de otra; es decir, se usa la técnica de las cajas chinas o de las muñecas rusas.


La mala educación como estructura o construcción expone una cierta complejidad debido a su entramado y a sus cambios temporales; en cambio su historia y puesta en escena presenta más de un problema. Almodovar , como decíamos antes, busca hacer con La mala educación una historia de tono íntimo, con remembranzas a la infancia y a los recuerdos de juventud ; sin embargo, no sentimos que logre captar la sensibilidad de lo que va narrando; tal vez esto se deba al hecho de que lo que nos narra en esta ocasion sea cercano a él y por lo mismo no pueda lograr tomar distancia de ello. Luego, el retrato que quiere hacer de la represión religiosa se nota muy remarcado, explícito incluso enfático no logrando darnos un enfoque diferente sobre el tema en cuestión más bien hace que algunas escenas se vuelvan forzadas y truculentas.






Así mismo, vemos que las escenas en que se muestra la relación entre Juan (Gael García Bernal) y el Señor Manuel Berenguer (Luis Llomar) están exageradas y sobre-actuadas. Así como otras en las que la cámara hace acercamientos o primeros planos a los personajes un poco toscos y obvios. Esto sólo para mencionar los principales problemas.

Todo lo expuesto no quiere decir que no descubramos en esta obra secuencias de interés. Una de ellas es que sus personajes no caen en el sentimentalismo o en el drama miserabilista ni esperan que el espectador sienta compasión por ellos. Si decimos en esta oportunidad que La mala educación no forma parte de las obras más valiosas y claves de Almodóvar (película menor), sí rescatamos la exploración, recreación y tratamiento de historias distintas.

Por último, pensamos que este no era el momento para que Almodóvar filmara esta cinta sino que debió esperar un poco hasta descansar del agotamiento creativo que nos parece está atravesando.

EL AVIADOR

Martin Scorsese dirigió sus primeros cortometraje desde fines de la década del ´50 hasta mediados de la década del ´60; en 1967 realizó su primer largometraje titulado Who´s That knocking at my door. Su segunda película fue Boxcar Bertha (1972); luego, Calles peligrosas ( Mean Streets) ( 1973) ; en 1976 fue reconocido en todo el mundo por su película Taxi Driver ya que obtuvo reconocimientos cinematográficos importantes; luego en 1977 hizo New York New York . Inició la década del 80 de manera notable con El Toro salvaje ( Raging Bull ) (1980) ; en 1983 dirigió El rey de la comedia ( The King of Comedy ); El color del dinero ( The color of the money) (1986); en 1988 realizó una cinta que generó polémica en su estreno , y aún hoy, La última tentación de Cristo ( The Last Temptation of Christ) , basada en la novela de Nikos Kazantzakis. Nuevamente, en los ´90 Scorsese, como lo hiciera a inicios de los ´80, empezó una década de modo destacable con (Goodfellas) (1990) ; en 1991 dirigió el remake de la película Cabo de miedo ( Cape of fear) (1962) de J. Lee Thompson; en 1993 realizó la cinta La edad de la inocencia ( The age of innocence) basada en la novela de Edith Wharton; dos años después hizo Casino; en el año 1997 dirigió Kundun . Luego en el 2002 dirigió la superproducción Pandillas de Nueva York ( Gangs of New York). La película que ahora nos ocupa es El Aviador ( The Aviator) ( 2004).

Martín Scorsese en su cinematografía ha abordado diversas características de la realidad humana, retratando a diferentes personajes; seres apasionados, obsesivos , a veces , desequilibrados y violentos ( Travis Bickel en Taxi Driver o Jake La Motta en Toro salvaje); seres autocuestionantes. Pero Scorsese no sólo es un director interesado en dar vida a personajes complejos y contradictorios sino que le interesa crear y recrear espacios y escenarios en los que dichos personajes viven , deambulan ; espacios con los que éstos se identifican o rechazan .En otras palabras, el director busca construir pequeños mundos ( microcosmos sociales y culturales ) ; estos microcosmos se nos presentan como entes vivos, vibrantes, agitados, convirtiéndose , muchas veces, en un personaje más de la historia.

El Aviador trata sobre la vida de Howard Hughes (multimillonario apasionado por los aviones y además director y productor de cine) ; Scorsese vuelve a dirigir la vida de un personaje real como lo hizo con Jake La Motta en Toro salvaje y con el Dalai Lama en Kundun; o histórico como Cristo en La última tentación de Cristo.








El personaje principal Howard Hughes está interpretado por Leonardo Di Caprio; los secundarios son : Catherine Hepburn ( Cate Blanchett), Ava Gardner ( Kate Beckinsale), Noah Dietrich (John C. Reilly), Juan Trippe ( Dueño de una importante empresa de aviación) ( Alec Baldwin), el Senador Ralph Owen Brewster ( Alan Alda), Jack Frye ( Danny Houston), Jean Harlow ( Gwen Stefani), el profesor Fitz ( meteorólogo) ( Ian Holm), entre otros.

El aviador consigue sus momentos mejores en la media hora inicial – por el ritmo creciente que van cobrando sus imágenes – pues nos introduce en el mundo en el que Howard Hughes se movía; es decir, el Hollywood de los años ´20, ´30 y ´40; y nos permite sentir ese ambiente extracinematográfico en el que observamos a sus actores, actrices, directores y productores; así como su fastuosidad. Además, vamos conociendo algunos detalles de la personalidad de Hughes y su interés por formar parte en algunas escenas de filmación de su película Hell´s Angels (1930). Transcurrida esa primera media hora El Aviador nos muestra, aun, algunos momentos de interés; sin embargo, el filme no logra el ritmo y vivacidad iniciales ya que va tropezando en algunas escenas y situaciones. Entre estos momentos de interés es importante anotar el diálogo que sostiene Hughes en aquella secuencia en la que está sentado a la mesa con la familia de Katherine Hepburn; o la escena en la que debe confrontar a una junta de censores; aquella escena logra resaltar por su humor y estar bien filmada.

Lo que no convence del filme son las secuencias en las que Howard Hughes aparece como víctima de fobias e hipocondrías; si bien éstas fueron parte de su personalidad, la manera en que son plasmadas en la historia es superficial e impostada. De otro lado, a pesar de que la espectacularidad de las escenas y el uso de los efectos especiales están bien hechos; no contribuyen, en su totalidad, a la fluidez y realismo de la historia; ello se da , de manera notoria, en la escena en que Hughes sufre un serísimo accidente de aviación; el problema de la escena es que exagera la situación y pretende crear tensión y sobresalto, cuando sólo hubiera sido necesario sugerir el accidente en vez de mostrarlo.

Aunque El Aviador no cae , en general, en los lugares comunes de muchas cintas biográficas hollywoodenses que tratan sobre artistas o deportistas.- como mostrar personajes sin defectos , impolutos, sin claroscuros- notamos que Scorsese no busca adentrarse de forma más exhaustiva en los temas que puedan resultar menos amables de Hughes. Además, hacia el final la cinta pareciera decirnos que Hughes fue una víctima de las circunstancias; amén de concluir con una escena casi idealizante del personaje.

En resumen, aun cuando el balance de la cinta es favorable, observamos que El Aviador más que ser una buena película es una película, en varias secuencias , bien filmada. Finalmente, aunque este último filme de Scorsese deja ver algunos rasgos constitutivos de su estilo, es una de sus obras menos personales.

ACECHADA (TWISTED) es una película policial dirigida por el conocido cineasta norteamericano Philip Kaufman ; Kaufman es conocido por películas tan interesantes como La insoportable levedad del ser (1988) adaptación de la novela homónima del escritor checo Milan kundera , Henry y June (1990) que relataba la vida del escritor norteamericano Henry Miller y su estancia en el París de los años 40 así como la relación que sostuvo tanto con su esposa June cuanto con la escritora Anaís Nin , y su penúltima película titulada Letras prohibidas (2000) que fue una especie de biografía del escritor francés conocido como el Marqués de Sade.
Kaufman es un director interesado en tratar temas de personajes que muestran conflictos personales o existenciales como en el caso de Henry y June; y sobretodo en la película La insoportable levedad del ser; o de personajes cuya vida controversial causaron polémica en su época como fue la vida del Marqués de Sade. Es un cineasta que sabe manejar bien esas posibilidades expresivas, lo cual hace que sea un director interesante. Sin embargo, en ACECHADA no vemos el manejo de dichas posibilidades. Desde el inicio de la cinta sabemos con cierta certeza como va a ser todo el transcurrir de la misma porque la atmósfera que se nos plantea es similar a la de muchas cintas del género ya vistas anteriormente.

Esta película nos plantea la historia de la oficial de policía Jessica Shepard (Ashley Judd), Mike Delmarco (Andy García) también oficial de policia y de John Mills (Samuel L. Jackson) jefe de ambos. Ella es una oficial que es ascendida a un cargo de mayor rango por su labor en el departamento de policía pero detrás de esa vida pública se oculta una vida paralela cuyo tratamiento quizá sea lo más interesante en el desarrollo de la película porque no recordamos una cinta que halla tomado ese punto de vista en un policial con una mujer como protagonista; es aquí donde si puede verse un poco la mano de Kaufman ; no obstante, todo lo demás como la investigación de los crímenes que se suceden, es de un carácter rutinario , previsible y sin sorpresa alguna .El estilo del film es el que juega con la manipulación del espectador pues nos quiere hacer creer que uno de los protagonistas es el autor de los asesinatos cuando en realidad resulta ser el que uno menos pensaba , esto no sería reprochable si fuera la primera vez que se hace lo cual , como sabemos, no es cierto. Además los personajes secundarios son expuestos de manera esquemática al igual que los crímenes cuyo asesino es aquel que deja en sus víctimas una marca que lo caracterize.

El final de la película es también previsible y no hay ningún giro sorpresivo. Las actuaciones están dentro de lo esperable de quienes las protagonizan pero sin que haya una que sea sobresaliente, la que mejor está es Ashley Judd con un personaje que muestra algo más de profundidad respecto a los demás que se mueven sólo de manera funcional dentro de la trama; y que hubieran merecido un diseño mayor, sobre todo el caso de Samuel L. Jackson que es un actor que ha dado actuaciones muy buenas en algunas películas.

Por último diremos que ACECHADA es una película decepcionante pues está en manos de un director con talento que, esta vez, no encontró el camino para hacer de ésta una película satisfactoria; estamos pues ante una cinta de encargo que tal vez Kaufman aceptó dirigir para obtener capital para una película más personal, que quizá tenga como proyecto rodar. Esperamos la realización de dicha película para tener la oportunidad de apreciar nuevamente a un director capaz de dar cima proyectos interesantes.

Cesar Guerra Linares